Mit Bild und Text erzählen

Über die Jahrhunderte gab es große Unterschiede in der Wahl des Mediums und damit der Materialität, im Bildformat und in der stilistischen Umsetzung. Wichtig war nicht nur die Richtung der Maler, Kunsthandwerker und Gestalter, sondern auch der persönliche Geschmack der Auftraggeber und des Zielpublikums (S. 21).

Die Art und Weise, wie die Inhalte in immer neuer Weise bearbeitet wurden, erinnern an Stationen auf einem Weg. Timothy Clark prägte dafür den Begriff „cultural route“ (S. 23): Zuerst kursierte die Erzählung am kaiserlichen Hof, danach wurden sie abgewandelt als Nō-Theater vor Angehörigen der Militäraristokratie aufgeführt, in späteren Jahrhunderten in neuen Varianten für ein breiteres Publikum gedruckt, dann für das Bunraku- und das Kabuki-Theater bearbeitet – um nur einzelne der vielen Umsetzungen zu nennen. Nicht alle Stoffe haben an jeder Station eine Realisierung erfahren, manche waren zu bestimmten Zeiten beliebter als andere. Wichtige Werke wurden immer wieder aufgegriffen und umgearbeitet, oftmals auch parodistisch und mit versteckten Andeutungen.

Alle Zeiten brachten für sie typische Merkmale hervor, die Szenen zu visualisieren. So entstanden Gemälde, Hänge- und Querrollen, Stellschirme und Fächer, Holzschnitte, gedruckte, gefaltete und gebundene Bücher, Lackobjekte, quadratische Gedichtkarten (shikishi), Textilien, Keramik, Metallarbeiten und Spiele (S. 19).

Ein Beispiel ist die Umsetzung der Szene „Der Fluss Akuta“ aus der Serie „Geschichten von Ise“. Der Held Ariwara no Narihira und seine Geliebte sind auf der Flucht. Verschiedene Darstellungsweisen spiegeln unterschiedliche Formen der Beziehung der beiden zueinander, einige eher liebevoll, andere eher erotisch.

07. Szene gestaltet von Nonomura Sōtatsu (verstorben 1643), Tusche und Farben auf Papier.

08. Szene gestaltet von Katsukawa Shunshō (1726-1793), Holzschnitt-Serie „Geschichten von Ise in modischen Brokatbildern“ („Fūryū nishiki-e Ise monogatari“), ca. 1772-73.

Und es geht noch einen Schritt weiter: Da bestimmte Szenen aus den Geschichten immer wieder dargestellt wurden, waren Figuren und Handlung allseits bekannt. Dies brachte mit sich, dass die Figuren gar nicht mehr dargestellt werden mussten, sondern allein die Szenerie verdeutlichte, auf welche Geschichte angespielt wurde. Ein berühmtes Beispiel ist eine Szene aus den „Geschichten von Ise“.

Der Held Narihira wird aus Kyoto verbannt. Als er durch den Osten Japans wandert, stößt er auf eine Brücke, die aus acht Holzbrettern besteht (Yatsuhashi). Sie führt über ein Sumpfgebiet, in dem Schwertlilien wachsen. Narihira verfasst ein Gedicht über die Sehnsucht nach seiner Liebe in der Hauptstadt. Die Anfangssilbe einer jeden Zeile des Gedichts ergibt das Wort „kakitsubata“ („Iris“ oder „Schwertlilie“).

10. Szene mit Figuren: Ariwara no Narihira, sein junger Schwertträger und ein alter Mann auf der Yatsuhashi („Acht-Planken-Brücke“), Holzschnitt von Utagawa Kuniyoshi (1798-1861).

Inzwischen ist bei Kunstgegenständen allein die Darstellung mehrerer Holzstege und / oder eines Schwertlilienfelds als Anspielung auf die beschriebene Szene erkennbar. Die Technik wird „abwesendes Motiv“ (rusu moyō) genannt (S. 21, 132-136, 163).

11. Kiste für Schreibutensilien mit dem Motiv der Brücken und Schwertlilien, von Ogata Kōrin (1658–1716).

12. Anspielung auf die Acht Brücken auf einem Schwertblatt, 17. Jahrhundert.

15. Schema und Aufbau einer Text-Bild-Rolle [emakimono: ein Gegenstand (mono), der aus gerollten (maki) Malereien (e) zusammengesetzt ist; S. 27]. Siehe auch den sehr guten, äußerst ausführlichen englischsprachigen Eintrag bei Wikipedia (Wikipedia, Eintrag emakimono).

Bedeutend in der narrativen Kunst sind illuminierte Bildrollen [„illuminiert“ mit der Bedeutung „(mittelalterliche Handschriften) ausmalen, mit Buchmalerei versehen“]. Die Querrollen, die Schrift und Malerei vereinen, gibt es in Japan wahrscheinlich ab dem 6. Jahrhundert, seit der Einführung des Buddhismus und der chinesischen Literatur (Estelle Bauer, S. 27). Einige Rollen sind knapp dreißig Meter lang (S. 312). Sie werden in Holzkisten aufbewahrt und nur zum Betrachten herausgenommen, dabei von rechts nach links gelesen. Beim Anschauen sind sie etwa eine Armlänge breit aufgerollt, beim weiteren Öffnen wird das zuletzt Gesehene schrittweise wieder eingewickelt. Dies bedeutet, dass sich – anders als bei einem statischen Gemälde – der sichtbare Ausschnitt beim Betrachten stets verändert.

Wie in japanischen Texten durch sprachliche Unbestimmtheiten (wie z.B.: kein benanntes Subjekt, keine eindeutige Verbform) oft nicht deutlich gemacht wird, wer gerade handelt oder spricht, sind die Figuren im Bild nicht individualisiert. Die Gesichter der Adligen sind idealisiert, alters- und emotionslos: versehen mit so genannten „Strichaugen und Hakennasen“ (hikime kagibana). Lediglich Figuren aus niederen Ständen werden manchmal ausdrucksstärker dargestellt.

17. Adlige aus der Bildrolle „Kasuga gongen jiki“, Geschichten rund um den Kasuga-Schrein und den Kōfukuji-Tempel in Nara, 14. Jahrhundert.

Die Kleidung der Figuren hat die Funktion, auf ihren sozialen Stand hinzudeuten, genauso ihre Anordnung im Bild. Die Dargestellten füllen eher eine Rolle aus, als dass sie eine individualisierte Person wären. (S. 30-31, 35-37).

Die langen Bilder ohne zwischengezogene Abgrenzungen (wie beispielsweise die Seiten in einem Buch) erzeugen ein Kontinuum von Raum und Zeit. Dies erfordert verschiedene Technik des Übergangs von einem zum nächsten Schauplatz.

So gibt es zum Beispiel ein langgestrecktes Gebäude, das es nach und nach zu entdecken gilt, oft mit fehlenden Dächern, um in die Räume hineinschauen zu können (fukinuki yatai, wörtl. „weggeblasenes Dach“, S. 29). In verschiedenen Räumen des Gebäudes werden Handlungen dargestellt, die zeitgleich stattfinden.

Andere Bildelemente, die Szenen voneinander trennen, sind Wolken oder bestimmte Landschaften wie bewaldete Hügel.

Die Platzierung von Text und Bild bewirkt einen bestimmten Rhythmus im Lesefluss (S. 85). Häufig stehen die Malereien am Ende einer im Text beschriebenen Szene. Es gibt aber auch Bildrollen, in denen die Bilder Szenen zeigen, die in den Textabschnitten nicht beschrieben werden. Die Bilder gehen also mit den Texten ein Wechselspiel ein, und ohne sie wäre der Fortgang der Geschichte nicht verständlich.

21. Wechsel von einem Text- zu einem Bildabschnitt in „Obusuma Saburō emaki“, 8. Jahrhundert.

In einigen Bildern sind Texte neben den Figuren eingestreut. Es handelt sich um den Namen der Figur, genauere Erläuterungen zur Handlung oder um das, was die Figur sagt, also um Dialoganteile, die wie Sprechblasen zu lesen sind. Das gibt den dargestellten Szenen fast einen dramatischen Charakter (Sebastian Balmes, S. 39-40).

Die Gliederung orientiert sich motivisch an der Entstehungszeit der Erzählungen: zunächst religiöse Schriften (8. Jahrhundert), ab dem 10. Jahrhundert dann Geschichten mit nicht-religiösen Inhalten des Kaiserhofes, des Kriegeradels, Volkserzählungen. Die Abschnitte haben eine Länge von 20 bis 40 Seiten, am längsten zur „Geschichte vom Prinzen Genji“ mit knapp 80 Seiten, was die Bedeutung der Geschichte zeigt.

Die Ausstellungsstücke stammen aus dem 13. bis 20. Jahrhundert, die meisten aus der Edo-Zeit (1600-1868), einer Epoche, in der sich die Genres der erzählenden Kunst in einer Fülle so „umfassend, vielseitig und monumental“ zeigten wie nie zuvor. Neue Drucktechniken ermöglichten einen einfacheren Zugang zu erzählender Kunst und brachten zugleich mit sich, dass die Luxuseditionen von handgefertigten Querrollen als Statusobjekt gesehen wurden (Melanie Trede, S. 43-49).

Die Begleittexte zu den Abbildungen der Ausstellungsstücke umfassen nicht nur Beschreibung und Interpretation des Dargestellten, sondern auch Informationen zum Trägermedium, zum Material, zum Werdegang der Objekte, zum Beispiel zur Zerstörung des Gesamtwerks, zur Aufspaltung in Einzelteile und zum Verkauf an verschiedene Sammlungen.

Dabei fließen Erklärungen zur gesellschaftlichen Rolle von Objekten immer wieder ein (zu Fächern beispielsweise S. 209). Die Autorinnen verfolgen die Spur der Motive auf verschiedenen Objekten: Welche Ideen kamen wann auf, wurden wie transformiert, eigneten sich auf welchen Ausstattungsstücken besonders gut: Darstellungen von Schönheiten aus dem „Genji monogatari“ als modische Stoffmustervorlagen für Damen, kriegerische Stoffe auf Tabakdöschen für Herren.

27.-28. Auch die Innenseiten von Muscheln wurden häufig mit Szenen berühmter Geschichten bemalt. Bei dem Spiel „kai-awase“ gehört immer ein Muschel-Paar zusammen. Das Spiel ähnelte dem heutigen Memory.

Die Anordnung der Texte und Abbildungen ist gut durchdacht und wunderbar aufeinander abgestimmt. Die Texte sind sehr informativ, sowohl für ein Fachpublikum wie auch für Leserinnen und Leser ohne große Vorkenntnisse. Dies funktioniert über leicht verständliche Erklärungen und mittels unzähliger Querverweise in den Fußnoten.

Die Erzählstränge der zuweilen sehr ausufernden literarischen Quellen werden übersichtlich zusammengefasst, die Objekte fachkundig und zugleich anschaulich beschrieben. Die Texte sind hervorragend lektoriert.

Der Ausstellungskatalog glänzt mit einer wunderbaren Opulenz, einem Spektakel an Farben und Formen. Er ist ein Augenschmaus selbst für ein Bild-verwöhntes Publikum oder, wie Annette Bhagwati, Direktorin des Museums Rietberg, formuliert: „Illuminationen, die einen Rausch aus Sinnlichkeit, Drama und Pracht erzeugen.“ (S. 6)

Durch Fotos von höchster technischer Qualität kann der Katalog diese Schönheit der Objekte vermitteln. Wie durch den Zoom einer Kamera sieht man die Ausstellungsstücke: manchmal verkleinert, um den Umfang einer sehr langen Querrolle zu vermitteln, dann wieder in maximaler Vergrößerung, in der einem die dargestellten Figuren in nicht gekannter Größe gegenübertreten. Die Vergrößerungen offenbaren in feiner Strichführung die Ornamentik der Objekte: Baumstrukturen, Muskeln und Haare, manchmal kleinste Härchen am Bart einer Figur. Die mit goldener Tusche gezeichneten Striche, Blattgoldsprenkel und Silberfäden scheinen hervor. Dies vermittelt den Eindruck, man könne die Textur der Materialoberflächen berühren und spüren.

Die Abbildungen sind nach ihrer Funktion strukturiert:

– Kleinere Abbildungen (mit der Bezeichnung „Abb. xy“) begleiten die einzelnen Texte und dienen zur Veranschaulichung der Erklärungen.

– Größere Abbildungen (mit einfach durchgehender Nummerierung) sind Katalogabbildungen der Ausstellungsstücke. Sie stehen im Hauptteil im Vordergrund, werden dort in den Begleittexten eingehend beschrieben und interpretiert.

– Außerdem gibt es großformatige Abbildungen, die über eine ganze Seite gehen. Fünf davon stehen vor jedem Kapitel des Hauptteils. Es sind vergrößerte Ausschnitte der Katalogabbildungen von Objekten, die im anschließenden Kapitel vorgestellt werden. Sie verführen zum Betrachten und Staunen, ziehen in das Kapitel hinein, verleiten zum Schmökern. Es macht Freude, nach der Lektüre zurückzublättern und die Abbildungen mit dem neuen Wissen noch einmal zu bewundern.

– Zudem gibt es an sieben Stellen ausklappbare Seiten, auf denen lange Bildrollen dargestellt sind.

Die Texte des Katalogs loten die verschiedensten Verhältnisse von Text und Bild aus und machen dabei keinen Unterschied zwischen bildender und dekorativer Kunst, von Kunst und Kunsthandwerk. In zahlreichen Fußnoten werden Verknüpfungen gezogen, Zusammenhänge und Querverweise innerhalb des Katalogs aufgezeigt, Hinweise auf Sekundärliteratur gegeben.

Sowohl die Vielseitigkeit der Objekte als auch ihre Herkunft aus den verschiedensten Sammlungen lassen ahnen, wie weitreichend um umfassend die Vorbereitungen für diese Ausstellung gewesen sein müssen. Das Zusammenwirken der drei Kuratorinnen ist bemerkenswert und wegweisend.

Sie arbeiteten die neuesten Entdeckungen von Objekten aus europäischen Sammlungen hervorragend auf und schufen so einen Ausgangspunkt für weitere Forschungsvorhaben.